优秀毕业作品选登
毕业设计是专业学习的阶段性答卷，也是青年创作者面向剧场、影像与视觉叙事的一次集中发声。本次推送选取山东艺术学院舞台美术系2026届优秀毕业作品，涵盖舞台设计、场景模型、人物造型设计、数字绘景、影像装置等方向。作品以文本解读、空间建构、材料表达与影像语言为支点，呈现出学生对戏剧精神、时代经验与视觉形式的多元探索。
从舞台空间的心理外化到人物造型的身份书写；从微缩模型中的场景叙事，到影像装置的观念表达，这些作品共同构成一场关于“观看”“空间”“人物”与“时代”的毕业呈现。以下为本次优秀毕业作品及文字说明。
毕业生及其作品展示
GRADUATION WORKS DISPLAY
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01
《昭君出塞》
作者：刘瑞昊
作品类型：舞美设计模型
作品名称：《昭君出塞》
指导老师：王书成
《昭君出塞》舞剧舞台设计以极简主义为创作语言，以红色为贯穿全剧的精神符号，构建昭君命运流转与家国叙事的舞台意象。
第一幕以硬朗的红色梁柱阵重构汉宫空间，交错纵横的立柱与横梁，如同深宫的宫墙与规制，既是皇权秩序的具象表达，也暗喻着昭君被束缚于宫墙之内的困境；顶光穿透梁柱投下交错光影，将深宫的压抑与个体的渺小烘托得淋漓尽致。
第二幕以漫天交织的红绳装置完成叙事递进，错落缠绕的绳线如同命运的网罗，串联起离别的羁绊与前路的未知；黄沙铺陈的地面呼应塞外苍茫，昭君独立于红绳之下，既是挣脱宫墙奔赴远方的行者，也暗含着被家国使命缠绕的个体挣扎。
设计以“柱阵-线网”的装置迭代，呼应昭君从深宫少女到出塞使者的精神蜕变，用极简的视觉语言，完成了对《昭君出塞》主题的当代诠释。
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02
泽勒“家庭三部曲”《儿子》
作者：曾艺、陈银倩
作品类型：舞美设计模型
作品名称：泽勒“家庭三部曲”《儿子》
指导老师：王书成
《儿子》是泽勒“家庭三部曲”中关于青少年抑郁、家庭裂隙与沟通失效的一部作品。本次舞美设计延续三部曲“空间即心理”的核心理念，以“家是庇护所还是囚笼”为核心命题，将现实家庭空间转译为可被观看、可被感知的心理结构。设计没有停留在对客厅、医院等现实场景的复刻，而是以“嵌套式倾斜透视框架”为统一视觉语言，通过层层递进、逐渐收缩的框架，呈现尼古拉被父母期待、社会规则与医疗系统共同包围的精神处境。
第一幕保留沙发、桌椅等生活化元素，建立一个看似温暖完整的中产家庭表象；背景墙上“WHY”等儿童式涂鸦，则像尼古拉无法被听见的心理语言，撕开了秩序表面下隐藏的裂缝。本幕以爱德华·霍普作品中“窗户作为观看媒介”的视觉母题为灵感：窗户既是人物向外凝望的出口，也是观众窥见孤独的入口，使第一幕在温暖表象中暗含疏离与停滞。第二幕中，生活化家具被逐步剥离，框架、阶梯与冷光灯管完全显现，空间转化为透明而冰冷的“审判场”；光的栅栏象征家庭、学校与医疗系统的规训，也强化了尼古拉无处逃离的压迫感。第三幕则进入高度意象化阶段，长廊式透视、病床与红色气球共同构成虚无的终点，前景背对病床的剧场同款观众椅形成反向观众席，让“看见却无法理解”的困境直指现实观众。
《母亲》与《儿子》同样聚焦家庭内部精神困境和个体被困状态，两部作品的设计共同构成兼具统一性与独特性的视觉体系。《母亲》的设计以纱幕、半透明材料和窗框结构表现空巢女性的等待与身份困境，《儿子》的设计同样将“家”的内部结构转化为精神困境的外部形态，但更强调多重凝视下青少年个体的失语与精神放逐。整体设计以“显影—剥离—坍塌”的空间递进，完成了从现实底色到心理表达的转化，使观众在观看一个家庭悲剧的同时，也重新思考亲密关系中真正的倾听与理解，契合泽勒直面当代家庭精神困境的创作初衷。
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03
泽勒“家庭三部曲”《母亲》
作者：陈银倩、曾艺
作品类型：舞美设计模型
作品名称：泽勒“家庭三部曲”《母亲》
指导老师：王书成
《母亲》主要讲述中年女性安妮在子女相继离家、丈夫疏离后陷入情感失落与心理危机，剧作以碎片化、循环往复的结构呈现她的内心世界，现实与幻想的边界被刻意模糊——安妮执念于儿子对她的依恋、丈夫的婚外情，以及对自身存在价值丧失的恐惧，泽勒借助这种形式上的不稳定性，将“空巢”危机转化为对母性身份认同、欲望压抑与自我消解的深刻追问，揭示了一种被社会结构性忽视的女性处境，以非线性叙事结构和主观视角，将人物的内在崩解外化为观众的观看体验。
舞美设计延续三部曲“空间即心理”的核心理念，以“家是庇护所还是囚笼”为核心命题，以“空间与时间的流动性和失真感”为总体方向，围绕安妮不断变化的心理状态展开。剧本始终建立在安妮的主观视角之上，因此舞台空间不追求客观现实的完整复原，而是呈现一种不断变化、始终无法被完全确认的空间感知。
《母亲》与《儿子》同样聚焦家庭内部精神困境和个体被困状态，两部作品的设计共同构成兼具统一性与独特性的视觉体系。《儿子》的设计以嵌套式倾斜透视框架、窗媒介结构和反向观看机制揭示了多重凝视下青少年个体的失语与精神放逐。《母亲》的设计同样将“家”的内部结构转化为精神困境的外部形态，但更强调空巢女性的等待和身份困境。整部作品采用“遮蔽——失序——边界”的三幕结构，以横向延伸的线性视觉语言贯穿始终,三幕材质虽形态各异，但始终保持统一的视觉逻辑，对应安妮感知过程的三个阶段，将安妮从记忆美化到精神崩塌再到存在虚无的心理过程可视化，与《儿子》共同构成兼具统一性与独特性的视觉体系。设计初衷希望能使观众沉浸式走入安妮的认知迷宫，共情其精神困境，引发对家庭关系与自我本质的深度思考，契合泽勒直面当代家庭精神困境的创作初衷。
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04
《鸟》
作者：王心怡
作品类型：舞台设计模型
作品名称：《鸟》
指导老师：王书成
本舞台设计以古希腊经典喜剧《鸟》为创作核心，以“云中鹁鸪国”的理想幻象为精神内核，构建起一套兼具古典美学意蕴与现代机械语言的完整空间叙事体系。设计以凝视、建构、幻动、归寂为四幕递进逻辑，将文本意象转化为可感知、可流转的舞台形态，实现文学内涵与视觉表达的高度统一。
第一幕以巨型眼眸实体天幕闭合开场，眼底以低视角林间图景铺陈乌托邦的原始意象，画面承袭古希腊平面绘画语言，以简洁线条与平涂色块营造沉静而富有隐喻的开场氛围。第二幕眼眸天幕缓缓向两侧开启，中心双层旋转升降结构与提炼自古希腊柱式美学的立柱同步拔升，将空中城邦的精神象征具象化，完成从自然意象到理想秩序的空间建构。第三幕立柱收缩回落，舞台经180°翻转呈现费纳奇镜动态装置，古典纹样在流转间形成连续幻像，以古老视觉原理隐喻理想国的虚幻与流变，让静止的古典美学获得动态生命力。第四幕所有机械结构回归初始状态，舞台归于空寂，以轻羽散落象征幻象落幕，完成从想象到幻灭的完整闭环。
整体设计立足文本精神，弱化繁复装饰，强化隐喻与结构之美，将古希腊艺术气质、自然意象与现代机械舞台深度融合，在静态画面与动态空间的转换中，诠释《鸟》剧对理想社会的追寻、对人性本质的思考，呈现出兼具思想性、艺术性与创新性的舞台美学表达。
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05
《禁闭》
作者：张雨璐
作品类型：舞美设计模型
作品名称：《禁闭》
指导老师：王书成
本方案将整个舞台构建为一个“当代艺术展厅”。这一空间变化让人物不再仅作为行动主体存在，而是成为被陈列、被观看的对象，其存在本身即构成展览内容。让《禁闭》中原本隐性的“被看见”状态，被转化为“被展览”的结构。凝视不再来源于某一个具体他者，而成为一种去个体化的系统性观看机制。
在这一展厅结构中，萨特所提出的“凝视”被空间化为整体的观看架构。三位人物不仅彼此凝视，更被一个无处不在的视觉系统所覆盖。这使人物始终处于潜在的可见状态，与此同时，观众的观看行为也被纳入这一结构之中：他们所面对的不只是人物关系，更是一个正在运作的“观看机制”。观众既是观察者，同时也在无形中参与了对人物的判断与分类。
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06
《在茫茫人海上》
作者：危士聪
作品类型：舞台设计模型
作品名称：《在茫茫人海上》
指导老师：王书成
《在茫茫大海上》讲述了三个漂流者迷失在海上，饥饿驱使他们决定吃掉一人的残酷寓言。该剧的外部动作极度简约，而内部心理冲突却波涛汹涌，为舞台设计提出了核心命题：如何将“静止中的动荡”视觉化？
本舞美设计以破碎、异化、现实解构为核心主题，先以封闭式的窗格框架来构建几何舞台，打造出压抑的现实牢笼气氛，再通过上下分层结构与移动平台完成场景变换，依托废墟化材质与破碎道具来体现人物精神困境与现实秩序坍塌，最终借助网格幕布、悬浮平台构建虚实边界与仪式化的空间。整体由具象空间逐步转向抽象符号，将人物的情绪变化、生存困境视觉化，实现舞台空间、材质光影与剧本内核的深度共生，从而传递对生存困境的终极思考。
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07
《屈原》舞台模型
作者：李泽宇
作品类型：舞美设计模型
作品名称：《屈原》舞台模型
指导老师：王书成
本舞台模型设计以郭沫若先生经典历史剧《屈原》为蓝本，旨在通过具象的舞台空间构建，传达剧中深沉的家国情怀与屈原独立不迁的人格精神。设计立足于郭沫若“以诗写剧”的独特风格，将话剧的史诗品格、浪漫主义色彩与楚文化的神秘意象相结合，试图在有限的舞台方寸之间，营造出“雷电交加”与“橘林清幽”的双重意境，构建屈原内心世界的诗化空间。
设计思路紧扣《屈原》剧本的核心意象——“橘”与“亭”。橘树作为贯穿全剧的象征，是屈原高洁品格与爱国情怀的隐喻。模型中特制的枝桠与散落的果实，不仅还原了《橘颂》中“后皇嘉树，橘徕服兮”的视觉画面，更寓意着屈原精神在风雨中依然挺立。而亭子作为屈原行吟泽畔、独对天地的典型场所，象征着其在政治风暴中的孤高与沉思。
整体色调采用浓郁的金黄与深褐，模拟楚地特有的温暖厚重质感，同时呼应1942年抗建时期话剧演出中常见的热烈氛围。顶部投射的光斑如同穿透云层的天光，既象征屈原“上下求索”的精神追求，也暗示了黑暗环境中希望与真理的闪现。散落的橘果在地面形成自然的构图，增强了画面的纵深感与叙事性。
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08
《俄尔普斯与欧律狄克》
作者：刘均桂
作品类型：舞台模型
作品名称：《俄尔普斯与欧律狄克》
指导老师：高相发
本次毕业设计以《俄尔普斯与欧律狄克》为蓝本，打破传统舞台平面叙事局限，打造三层垂直分层式舞台模型，将俄尔普斯与欧律狄克的故事转化为可感知的具象空间。
设计采用三层洞穴式结构，隐喻人间至冥界的跨越。上层为环形旋转平台，以中心祭坛为叙事核心，构建冥界入口；中层为过渡洞穴，以石质楼梯为动线，营造亡魂徘徊的氛围；下层为封闭深渊空间，仅留单一入口，直观呈现冥河绝境的压迫感。
整体以荒芜废墟为基调，运用粗粝仿岩石肌理，通过残垣断壁、拱形门洞与残骸等装置，深化生死边界的模糊感。光影采用分层叙事：上层冷调弱光凸显疏离，中层暖黄微光象征救赎温度，下层幽蓝冷光渲染绝望氛围，传递情绪起伏。
模型按1:25缩比制作，尺寸为65cm×60cm×55cm，以泡沫为基底，经雕刻、做旧还原岩石质感，上层石块采用石膏浇筑。本设计以垂直空间重构，将抽象的生死救赎主题转化为舞台语言，为经典戏剧赋予了全新的视觉表达。
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09
《雷雨》
作者：徐润清
作品类型：舞台模型
作品名称：《雷雨》
指导老师：高相发
曹禺《雷雨》以封建大家庭的命运悲剧，揭露礼教对人性的压抑。本次舞台美术设计跳出传统写实复刻范式，以抽象装置与多媒体融合的方式，重构文本精神主旨。
舞台主设计以水泥墙为舞台主体，摒弃繁复装饰，搭配多媒体与舞台灯光，让舞台成为承载人物心理、隐喻戏剧冲突的载体，凸显封建禁锢与人性压抑的核心矛盾。
舞台仅保留老式桌椅等关键道具，造型简约复古，与水泥墙形成质感对比，快速搭建戏剧情境。道具非对称布局，规整形制呼应“牢笼”意象，暗示家庭关系的扭曲，连接抽象空间与具象表演。
模型背景用灯光和多媒体结合，呈现雷雨前的阴沉天色，呼应剧情节奏与人物情绪。灯光以冷色调为主，放大压抑氛围；关键剧情处用局部暖光聚焦人物，凸显内心挣扎，将无形情绪转化为有形视觉，深化主题表达。
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10
《街角卅光》
作者：王志浩
作品类型：电影场景微缩模型
作品名称：《街角卅光》
指导老师：魏德君
《街角卅光》是一部以20世纪90年代香港唐楼街区为蓝本的电影场景微缩模型作品，比例为1:64。作品聚焦色彩氛围营造，通过写实与风格化结合的手法，构建了五个情绪各异的场景分区：中心街道的情感高潮、市井生活区的烟火气、孤独疏离区的忧伤、冲突死胡同的紧张混乱以及谈判死胡同的危险严肃。模型运用色相、明度、纯度的精准控制，结合灯光色温调节与材质做旧工艺，将电影中的抽象情绪转化为可触摸的实体空间，探索了微缩模型作为情绪视觉化媒介的可能性。
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《麻雀沟》场景色彩设计
作者：赵佩琦
作品类型：场景模型
作品名称：《麻雀沟》场景色彩设计
指导老师：魏德君
本作品以《麻雀沟》为创作蓝本，聚焦上世纪90年代关中乡村小学教育环境，围绕剧中五个核心场景进行场景色彩设计。《麻雀沟》是郑子强的原创剧本，以麻雀沟小学为核心叙事空间，聚焦乡村教育现实，以彰显人性光辉、歌颂青年支教者为核心主旨。在阅读《麻雀沟》原剧本与观看影片原作的基础上，作者认为可通过进一步丰富人物形象与故事情节，拓展场景色彩设计的创作空间。因此，在不改变原作核心立意与精神主旨的前提下，对部分人物性格与情节进行了适应性改编，并选取剧中五处具有代表性的场景（小学教室、老师办公室、学校灶房、王大力家、吕光家）进行创作，以气氛图和微缩模型为创作载体，以色彩的情感表现为切入点和发挥点进行场景色彩设计。通过利用色彩的象征性、色调、纯度、冷暖等元素营造出一个全新的视觉体验，还原90年代关中农村地区的生活质感，寓情于景让教育工作者的奉献精神与纯真人性在具体的空间与情节中自然流露，实现主题表达与现实质感的统一。
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《钟鼓楼》场景设计作品
作者：吴雯卿
作品类型：场景模型设计
作品名称：《钟鼓楼》场景设计作品
指导老师：魏德君
本作品以刘心武小说《钟鼓楼》为创作蓝本，聚焦1980年代北京四合院的市井生活，围绕薛家婚宴等5个核心场景，完成电影场景空间色彩设计实践。以色彩叙事为核心，通过色相、明度、饱和度的艺术化调配，还原80年代老北京的时代质感与人文气息，用色彩凸显时空环境、刻画人物形象、渲染空间氛围、深化故事主题。作品以场景气氛图绘制+微缩模型制作+模型摄影呈现，将写实还原与主观艺术表达相结合，构建出兼具烟火气与叙事性的影视色彩空间，展现老北京胡同的邻里温情与时代变迁。
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《单元体》
作者:于学海
作品类型:影像装置
作品名称:《单元体》
指导老师:徐方彤
作品以一整个类似于单元插件的金属柜体概念为载体，将人类情感与记忆中的模糊通感，拆解并置入24个独立格子，构成完整叙事单元。作品以影像、具象物象作为情绪载体，把抽象感受封存于盒中；观众开锁、打开柜门、向内窥探的动作，恰如回忆发生的过程，先浮现模糊画面，再联结到某个具体物象和意象，最终联想至情绪。“我看到的你看不到，你看到的我也看不到。”每个人都拥有独属于自己的感知视角，从我个人的角度和视角出发，根据生活中的经验总结再现记忆影像，从而和大家产生链接。
灵感来源：
参考星际穿越书柜的五维空间节点十字多维度框架结构。
影像的跳动，物像的寄存转化成象征语言作为中间情感的转接点.是人类情感的映射和节点投影。一面柜体可以代表一个人的情绪记忆生命的总体，一立方体单元可以看作一部分人群，以此类推便是所有。
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《美国众神》场景设计
作者：赵芮瑶
作品类型：场景设计
作品名称：《美国众神》场景设计
指导老师：徐方彤
本方案以尼尔盖曼的小说美国众神为文本基础，围绕叙事性空间的视觉建构这一核心命题，完成了一套完整的电影概念设计作品。设计选取小说中三个最具代表性的场景旧神聚集的岩石上的宫殿汽车旅馆、主角影子隐居的美国之心莱克赛德小镇、以及新神代表科技小子的巢穴。
在设计过程中我首先对原著进行了系统的文本分析提取出影响场景的关键要素、氛围、文化符号与角色特点。随后，通过情绪板制作、概念草图、绘制CAD技术图与最终渲染效果图的标准流程，逐步将抽象的文字描述转化为具象的、有叙事能力的视觉空间。
在视觉语言上，我刻意构建了两套对立的美学体系，旧神场景采用褪色的暖色调，粗糙剥落的材质，写实风格，营造出衰败、怀旧、神秘的风格。新神场景则以冷色调、光滑反射的材质、无源的人造冷光为主。塑造出冰冷、高压、充满监视感的数字领域。三组场景的空间属性、色彩基调与光影设计均服务于新旧信仰对抗的核心主题。
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15
战争场面模型
作者:王芮萱、李书漩
作品类型:模型
作品名称:战争场面模型
指导老师:孙鲁涛
本作品以高寒山地战场为创作原型，以微缩模型还原冰雪峡谷中的战斗场景。以冷调雪景为基底，用爆炸火光形成视觉焦点，通过地形塑形、旧化涂装与特效装置，呈现战场的紧张氛围，以微观视角传递对战争的反思与对和平的珍视。
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16
津浦铁路济南站复原
作者：葛瑞、章若婷
作品类型：微缩模型
作品名称：津浦铁路济南站复原
指导老师：张旭
一座老站房，即是一处等待开场的舞台。本次复原以场景设计思维替代建筑测绘逻辑，从老照片的灰度中推导墙面的风雨痕迹，在材料与肌理的转译中还原一个时代的视觉温度。津浦铁路济南站1908 年动工，1912 年落成，1992 年被拆除，八十年的时间里，它从 “远东第一站” 变成一堆瓦砾，又从瓦砾变成济南城市记忆中一道无法愈合的缺口。
它不是复刻一砖一瓦，而是为一座城市的集体记忆置景。建筑可以被拆除，但空间所承载的情感不会消失。建筑虽已消逝，但以空间为媒介的叙事从未落幕。那些在站前广场上发生的送别与重逢，那些被煤烟熏染过的墙面肌理，那些在某个特定年代的特定光线，它们以另一种方式留存在老照片里、口述记忆里，留存在一代代济南人的集体无意识里。
本次创作的起点，正是追问这样一个问题：作为戏剧影视美术设计者，我们能否为这些散落的情感记忆，重新找到一个可被凝视的容器。津浦铁路济南站的拆除，是济南城市发展史上的一个文化事件。八十年的实体存在，三十余年的缺席，这座建筑在济南人的情感结构里，始终占据着一个特殊位置。
本次复原创作不企图“重建” 这座建筑，那是建筑师的工作。我们所做的，是用戏剧影视美术设计者的语言，为它置一处景。这处景不需要百分之百精确，但它必须是可信的，可感的，可以让人凝视的。当一位老济南人站在这件作品前，我们希望 TA 能够认出些什么，也许不是某一块具体的砖石，而是那种整体的气息。那气息里有一九一二年落成时的荣光，也有八十年代最后一班列车驶离时的落寞。
建筑会消逝，但以空间为媒介的情感与记忆，可以被一次次重新唤起。这正是戏剧影视美术设计的魅力所在，也是这件作品试图抵达的地方。
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20
《吾》
作者：辛琳
作品类型：数字绘景
作品名称：《吾》
指导老师：张俊臣
《吾》是一部以探索感受与现实为主题的数字绘景作品。"吾"字既指代“五"行的主题，也暗含"存在于何处”的空间追问。作品通过一系列场景的数字绘景，呈现了三幅以“水火"金木”土"为叙事脉络的自然画卷。在《吾》中，五行元素以有叙事性的组合方式进行了创作，灵感来源于中国神话中木神句芒、火神祝融、水神共工、金神蓐收、土神后土，的神话故事和其象征，辅以五行思维中的相生相克，通过元素的碰撞融合，使其进发出更具有张力的视觉效果。
《吾·不容》——水火不容
水火不容，相克相争，自古以来便是冲突的象征。水神共工与火神祝融的大战，曾使天地崩裂、秩序倾覆。在《吾·不容》中，冲击感与崩坏感成为视觉语言的核心。扭曲的线条、明暗交织的光影，水的深蓝与火的赤红在画面中剧烈交锋，彼此侵蚀、撕裂、对抗。整幅作品试图还原那股不可调和的张力，以最直接的方式，呈现水火二力势不两立的激烈态势。
《吾·载物》——土载物
土，是万物生长的温床，是人间的依托，也是通往神界的桥梁。土神后土，掌阴阳、育万物，承载天地之间最深沉的力量。《吾·载物》将土元素单独呈现，聚焦于一种承托的力量。在五行方位中，土居中央，因此选用了对称构图，以映衬其稳重与庄严。画面之中，神殿静立，日月轮转，山川湖海于光影间隐现，仿佛透过时间的缝隙，窥见大地的万千面貌——神圣、稳固，而充满力量。
《吾·相生》——金木相生
金木相生，春种秋收，是生命绵延不息的旋律。绿色与金色的交织，如画卷徐徐展开，记录了万物从春之萌发到秋之丰盈的完整历程。金与木的融合，是形式的对话和一曲和谐的颂歌。我对这幅作品的定义是——流动的生命力。借助上下浮动的条框、伸展贯穿的线条，我试图表现一种令人沉静而愉悦的舒展感，仿佛自然在呼吸之间完成了一次完整的轮回。
01
歌剧《生死场》人物造型设计
作 者：曾韵涵
作品类型：人物造型设计
作品名称：歌剧《生死场》人物造型设计
指导教师：徐丽慧
歌剧《生死场》改编自萧红经典同名小说，以二十世纪三十年代“九一八”事变前后的东北乡村为叙事背景，描绘了底层民众在封建压迫、自然苦难与日军侵略三重困境下的生死挣扎。剧情围绕赵三、王婆、二里半、金枝等普通村民展开，呈现他们从浑浑噩噩、苟且求生，到历经家破人亡、尊严尽失，最终在绝境中觉醒、奋起反抗的生命历程。作品还原了北方乡村背景下的村民“忙着生、忙着死”的苍凉现实，将个体命运嵌入时代洪流，以小人物的生死挣扎折射民族危亡之际的精神觉醒。
人物造型的戏剧效果表达，首先依托整体风格的统一把控。本剧摒弃华丽装饰与夸张形式，以质朴、粗粝、厚重为核心基调，还原东北乡村的苍凉质感与苦难氛围。整体色调以灰、黑、土褐、藏蓝等低饱和度冷色为主，弱化艳丽色彩，营造压抑沉重的视觉氛围，呼应剧中“生之艰难、死之寻常”的悲剧底色。服装廓形偏向宽松、厚重、垂坠感强的形态，贴合人物艰苦劳作的生存状态，同时以简洁有力的轮廓强化压抑感与生命重量，让整体造型服务于苍凉厚重的戏剧氛围。
其次，人物造型通过差异化视觉符号实现角色性格与命运的戏剧化表达。不同人物的服装质感、破损程度、肌理细节均与其身份、性格、情感轨迹高度对应。王婆的坚韧、赵三的挣扎、金枝的脆弱、二里半的愚昧，均通过面料软硬、肌理粗细、磨损深浅等视觉要素加以区分，使观众直观感知人物内心世界，实现“以形传情”。
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神话人物影视造型设计——以《封神演义》人物造型设计为例
作者：房晓宇
作品类型：人物造型设计
作品名称：神话人物影视造型设计——以《封神演义》人物造型设计为例
指导老师：魏德君
《封神演义》是中国古代神魔小说的经典代表作之一，该书描绘了殷商末年纣王无道、周室兴兵伐纣，人神魔三界纷争不断，阐教斩将封神、截教助纣为虐、各方神魔势力卷入商周之战，最终武王克商、分封诸神的上古神话史诗。
作品以《封神演义》中的部分角色展开进行设计，划分人、神、妖三大体系，作品设计涵盖14名角色，创作结合现代3D打印技术于服化装饰艺术中，并结合多元视觉元素凸显不同角色的性格特征与身份属性，依托整体造型演绎原著内核，打造奇幻绚丽的封神神话视觉体系，完成古典神话角色的现代化可视化塑造。
设计说明：
人物造型设计应以角色塑造为核心，深挖原著文化符号，遵循影视视觉规律，融合传统元素与现代审美进行创新转化。依托服饰、妆容、道具、美甲等多元设计，以差异化视觉符号区分人物身份与性格，搭配东方美学配色烘托奇幻叙事氛围。在其设计与表现中，应兼顾写实与写意手法，秉持虚实结合的创作理念，既要贴合原著精神，强化角色辨识度与立体性，又融入当代设计思维，以细节承载文化内涵，摆脱刻板符号化塑造，实现东方美学与时代表达的统一。
色彩说明：
自然界色彩纷繁变幻，古人的色彩认知循序渐进，并以五行理念为核心建立传统色彩观念。古人认为世间万物由金木水火土五行构成，五行相生相克、循环往复，孕育天地万象。《封神演义》造型设计取用中国传统五色及间色开展视觉叙事，使人物色彩表达契合自身身份气运，暗合天地五行生克之理，以传统色彩美学呼应古典神话人物内涵。
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结语
从一个造型、一组模型、一束光线到一段记忆，毕业作品记录着学生对专业语言的理解与拓展，也记录着他们从课堂走向创作现场的思考。愿这些作品在被观看、被讨论、被继续完善的过程中，成为青年创作者新的起点。
山东艺术学院电影学院舞台美术系
2026
文字：电影学院
图片：电影学院
编辑： 李想
初审：王书成
复审：孙非
终审：谭大珂 孟庆波
